25 октября - международный день художника

На протяжении веков великие художники оставляют свой неповторимый след в истории изобразительного искусства. Чтобы воздать почести этим  талантливым людям, подчеркнуть вклад художников в культурное развитие общества,  был основан праздник - День художника. Его ежегодно  во всем мире. Этот праздник зародился в 2007 году. Официально он празднуется 8 декабря, но истинные художники отмечают его именно 25 октября - в День рождения Пабло Пикассо,  одного из самых влиятельных художников XX века и, одного из самых известных и признанных мастеров искусства в истории, известного своей продуктивностью и разнообразием стилей и техник.

Искусство исторически было средством сохранения и передачи культурных ценностей и традиций. С помощью кисти и красок художник описывает свой мир, свое восприятие мира.

Нередко картины вдохновляли музыкантов на создание произведений и целых концертов. Музыка и изобразительное искусство тесно связаны между собой. Они схожи по своим выразительным средствам, призванным создавать определенное настроение у зрителя или слушателя, вызывать определенные эмоции: мелодия легко может «нарисовать» в мыслях слушателя картины с самыми разнообразными сюжетами, так же как и хорошая живопись превращается в музыку. А бывает и наоборот - когда музыка вдохновляет художников на творчество.

Расскажем о пяти полотнах, написанных под впечатлением музыкальных произведений.

«Испания» Михаила Врубеля и «Кармен» Жоржа Бизе

Видео Ария Кармен «У любви как у пташки крылья» 

В 1883 году,  в период учебы в Императорской академии художеств, Михаил Врубель увидел оперу Жоржа Бизе «Кармен» и был так впечатлен, что спустя более десяти лет написал картину о ней - «Испания». Врубель делился со своей сестрой Анной: «Вот чудная опера: впечатление о ней и все навеянное ею будет самым видным происшествием моей артистической жизни на эту зиму». Жаркая Испания всегда будоражила воображение людей искусства. Интересно, что сюжета как такового на картине нет. Главные герои - страсть и яркий темперамент. Художник дал зрителю возможность пофантазировать и придумать собственную историю. Но точно известно, что это Испания второй половины 19 века - то же время, в котором происходит действие оперы Жоржа Бизе. Для Врубеля опера «Кармен», ее музыка, идеально отображающая драматизм образов и сюжетных линий новеллы Проспера Мериме, послужила отправной точкой, чтобы обратиться к темам роковой страсти, неразгаданной тайны женской души.

Кстати, 25 октября - день рождения  Жорж Бизе. Поэтому в этот день отмечают еще  и День Оперы. Дата приурочена ко дню рождения великого композитора.  

Любовь к музыке владела Врубелем с детства. Всякое посещение оперного театра становилось для него глубоким переживанием, надолго оставлявшим след в его творчестве. Не случайно самые значительные произведения мастера были навеяны не только  литературы, но и  музыкой и театром.

 «Царевна-Лебедь» Михаила Врубеля и «Сказка о царе Салтане» Николая Римского-Корсакова

Михаил Врубель написал картину в 1900 году, когда гостил в доме художника Н.Н. Ге. Весной того года автор занимался художественным оформлением оперы Николая Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» и был вдохновлен образом Царевны. Врубель писал эскизы костюмов и декораций для постановки музыкальной драмы. Партию Царевны исполняла супруга художника, Надежда Забела-Врубель.

Спектакль вдохновил Врубеля на создание целого полотна, посвященного Царевне. У персонажа картины нет портретного сходства с Надеждой.  Критики считают его собирательным женским образом.  На полотне изображена девушка в момент ее превращения в лебедя. Она собирается войти в воду, расправив белоснежные крылья. Но, словно на прощание, обернулась, чтобы одарить зрителя своим трепетным и меланхоличным взглядом. Получилась героиня, ставшая символом женского образа модернизма - непостижимого, воздушного, обещающего перемены и в то же время ускользающего.

Особое место в картине «Царевна-Лебедь» отведено свету. Основные цвета - жемчужные, лиловые. Они созвучны мелодии партии Царевны в опере Римского-Корсакова.

 «Иван Грозный и сын его Иван» Ильи Репина и «Антар» Николая Римского-Корсакова

В 1881 году Илья Репин побывал на концерте Николая Римского-Корсакова, где композитор представил симфоническую сюиту «Антар». Репин рассказывал об этом так: «…я слышал новую вещь Римского-Корсакова – «Месть» (вторая часть сюиты). Эти звуки завладели мною, и я подумал, нельзя ли воплотить в живописи то настроение, которое создалось у меня под влиянием этой музыки. Я вспомнил о царе Иване». Сама сюита никакого отношения к Ивану Грозному не имеет. Она про врага человечества Антара, который за добрый поступок удостаивается от царицы Пальмиры испытать три самые большие радости жизни: месть, силу и любовь.

Работать над картиной Репину было непросто. Он писал эскизы, исправлял их, прятал, переживал. Иногда ему становилось страшно, он отворачивался от картины, но какая-то сила влекла его обратно. В 1885 году художник показал картину друзьям. Они были поражены и долго не могли вымолвить и слова. Картина вызвала недовольство правительственных кругов и усилиями обер-прокурора К.П. Победоносцева была снята с выставки. Третьякову, который купил ее для Галереи, не позволили показывать картину публике. Вскоре запрет был снят.

 «Александр Невский» Павла Корина и «Александр Невский» Сергея Прокофьева

 

В 1938 году Сергей Прокофьев написал музыку к фильму «Александр Невский». Год спустя он сочинил одноименную кантату. В 1942–1943 годах Комитет по делам искусств при СНК СССР заказал художнику Павлу Корину триптих «Александр Невский» по мотивам фильма и кантаты. Впервые целиком триптих появился на выставке «Героический фронт и тыл». Художник так рассказывал о своей работе над этим произведением: «Я писал его в суровые годы войны, писал непокоренный гордый дух нашего народа, который в «судный час своего бытия» встал во весь свой гигантский рост». Все произведения объединяет одна сюжетная линия-мужество и сила русского человека и защитник, готовый прикрыть собой родные земли.

К образу Александра Невского Корин обращался и после войны. Мозаику с изображением легендарного полководца, созданную художником в 1951 году, можно увидеть на станции «Комсомольская» Московского метрополитена.

Потолок Парижской оперы Марка Шагала и композиторы 18–20 веков

Когда-то плафон купола зрительного зала Парижской оперы был украшен 12 музами и Аполлоном кисти Жюля Эжена Леневё. В 1963 году, после повреждения плафона, власти Франции попросили Марка Шагала расписать его заново. Пригласить Марка Шагала на такую работу было довольно смелым решением, вызвавшим много толков. Однако критика смолкла после открытия. Гранд Опера, вся в золоте и росписях прошлых веков, почти музейный экспонат, вдруг обрела новую историю. Тема росписи - творения композиторов 18–20 веков.

Шагал разделил условно плафон на 5 секторов: синий, красный, желтый, зеленый, белый.  Каждый сектор посвящен определенным композиторам, работавшим для оперы и балета. Белый сектор посвящен опере Дебюсси «Пелиас и Мелиссанда», на нем изображено само здание Опера.

Красный сектор – «Жар-птица» Стравинского и «Дафнис и Хлоя» Равеля.

В секторе, окрашенном в синий, «Борис Годунов» М. Мусоргского и «Волшебная флейта» В.  Моцарта.

На желтом фоне - «Лебединое озеро» Чайковского и «Жизель» Адана.

В зеленом - истории любви: «Ромео и Джульетта» Берлиоза и «Тристан и Изольда» Вагнера.

В центральном кругу купола, вокруг люстры изображены: «Кармен» Бизе, а также работы Бетховена, Верди, Глюка.

Свою работу Шагал назвал «цветное зеркало шелков и блеска драгоценностей».

В целом художники и композиторы преследуют одну цель - воплотить впечатления. И прекрасно, что эти два направления могут органично дополнять друг друга.